Shakespeare en Roma

De la práctica
Rui Madera
Director Coriolano

Después de más de veinte años de estrecha colaboración con el CDG (proyectos, coproducciones, ediciones, programaciones, promoción de relaciones internacionales etc.) y después de la coproducción Entremés famoso sobre a pesca do río Miño en 2021, dirigida por Fran Núñez y con elenco portugués, fue cuando se me invitó para participar en el proyecto Shakespeare en Roma, en lo que respeta al texto Coriolano, a lo que accedí con gran satisfacción.

Esta propuesta implicó la adaptación, o mejor dicho, la reducción del texto original a un texto que, aunque manteniendo la palabra shakesperiana, obligó necesariamente a una nueva mirada dramatúrgica que soportara y diera coherencia a esa misma reducción, a través de una clara propuesta dramatúrgica que integra los últimos cuatro años de mi trabajo y del de la Companhia de Teatro de Braga (CTB) sobre la temática de fronteras (atendiendo a la situación en Europa y en el mundo) y que, en el caso de Coriolano se acentúa aún más, ya que asentamos el trabajo sobre la realidad de nuestros días, con la bárbara invasión de Ucrania por parte de Rusia, contando además con la participación de Volodymyr Snegurchenko, dramaturgo y director ucraniano que integra el proyecto Stage, Home of the Wordl! bajo la responsabilidad de la CTB y financiado por nuestro mecenas, DST Group, que acoge diez artistas de teatro de Ucrania durante un año. Y así, más allá de la intriga dentro del poder y de los deseos inconfesables que rigen cada uno de esos círculos, la emergencia de la guerra, la inseguridad, la falta del trigo y de la leche, la brutalidad más gratuita y asesina y los atropellos éticos y morales más elementales sobre los pueblos, son aquí en este Coriolano, como en todas las guerras, la tristeza de nuestra vida cotidiana, algo que es preciso combatir. Si este espectáculo sirve para algo, que sirva para ayudar a la reflexión sobre el punto al que llegamos.

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Un viaje inzada de incertidumbres
María Barcala y Xúlio Lago
Directora y director de Xulio César

Una vez más llega a nosotros el eco de aquella definición hecha por el gran maestro Peter Brook al referirse a la labor de la dirección de escena: "Un viaje dirigido por un guía que desconoce el camino". Una sensación recurrente para alguna de las personas que ejercemos este oficio. Volvió a asomar en el momento de aceptar formar parte del desafío escénico que es el proyecto denominado Shakespeare en Roma y asumir la propuesta de poner en escena la versión reducidísima de Xulio César, una de las cuatro tragedias que conforman el espectáculo.

Aceptar el desafío es participar en un viaje lleno de incertidumbres, peligros, condicionantes y provocaciones, y hacerlo con la ilusión, la esperanza y la confianza, tal vez ingenua, de conseguir interesar e incluso conmover al público. Y sorprenderlo, del mismo modo en que a nosotros sorprendió la complejidad y la vigencia de los conflictos, de los comportamientos humanos y de los asuntos visitados por William Shakespeare en esta tragedia escrita en Inglaterra en el final del siglo XVI y en la que trata la conspiración gestada en Roma en el año 44 la. C. que concluye con el asesinato de Julio César.

El territorio de la política, una vez más. El ejercicio del poder, las luchas partidistas, la corrupción, la traición, la envidia, la manipulación de las masas y el populismo forman parte del paisaje de esta historia que, sin necesidad de subrayados ni ilustraciones, nos presenta hechos, comportamientos y situaciones que reflejan como un espejo los tiempos presentes, pues, lamentablemente, son activados por ese complejo conglomerado conocido como "la condición humana". Incluida la brutalidad de una guerra que va mudando la belleza de un territorio en un espacio sembrado de muerte, en infértiles tierras teñidas de rojo.

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Demostrar para poder ser
Sara Rey
Directora de Antonio y Cleopatra

Así como Helena fue la culpable de desatar la guerra entre griegos y troyanos, Cleopatra fue la responsable de la caída de uno de los generales más grandes de Roma. O eso nos contaron. La historia somete desde siempre las heroínas clásicas a juicios sumarísimos donde su delito es reducido a la cosificación sexual, mientras que la víctima es el hombre poderoso que se deja hechizar y engañar por la sensualidad y los intereses de la mujer.

Con Antonio y Cleopatra el vivido en el siglo IV a. C. y escrito en el XVII no pierde vigencia: no hay concesiones con la protagonista. Una vez más, y de manera dolorosamente contemporánea, una mujer poderosa es reducida a sus relaciones personales y tachada de puta, embustera, histérica e histriónica. Que costumbre tan mala la de los hombres que, cuando sienten el orgullo herido tras toparse con una mujer poderosa, tienden a desacreditarla basándose en su sexualidad. Que costumbre tan mala la de las mujeres que aceptan ser canal de las frustraciones de los hombres que las rodean. Como les llegó a la egipcia y a la isabelina, a la mujer contemporánea le sigue llegando el mensaje de que para poder ser, primero debe demostrar.

No sé si fui capaz de entender plenamente a Shakespeare y lo que él quiso contar al escribir Antonio y Cleopatra. Sí que quise entenderlo desde el planteamiento que más me alcanza. Sí que pienso que no es casualidad que Antonio y Cleopatra sea la escogida para ser la primera pieza que escenifico de forma profesional. Sí que sé que me puedo identificar con la protagonista de esta propuesta, en la persona detrás del personaje, en la necesidad de demostrar para poder empezar a ser.

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Unha cantiga para crianzas
Quico Cadaval
Director de Tito Andrónico

Tito Andrónico es una de las primeras obras de Shakespeare y, sin duda, la que muestra más muertes. A diferencia de otros baños de sangre concebidos por el autor, en este caso casi todas las muertes se muestran en escena. Esta característica hizo que fuera adorada por el público contemporáneo del autor y despreciada por la crítica de los siglos posteriores. Una vieja norma del teatro indicaba que las muertes debían hacerse fuera de escena. Shakespeare fue flutuante con esta norma, en algunos casos la obedece y en otros no, a veces en la misma obra, en la misma escena. Le arrancan los ojos a Gloucester a la vista del público en Liar. Por lo contrario, el asesinato de Clarence en el Ricardo se simboliza ahogando la víctima en una pipa de vino. En Tito Andrónico, tal vez por ser obra de juventud, llena todo de cadáveres para estimular la asistencia del público. El lugar donde se actuaba había acogido minutos antes espectáculos brutales de toros, osos y bulldogs. El olor a bravío impregnaba el ambiente y contribuía a la experiencia teatral. Sí, porque el público de los toros y del teatro era el mismo. La dramaturga Lorena Conde y yo asumimos el estimulante desafío de Fran Núñez: reducir Tito Andrónico a 32 minutos dentro del pastiche Shakespeare en Roma, acompañando otras obras "romanas" de Shakespeare. La brevedad de la propuesta los obligó a reducir el número de crímenes, por eso en nuestra versión solo podremos contemplar nueve muertes. Aprovechamos la crueldad y la ingenuidad de Tito, dos cualidades tan infantiles, para hacer una canción para entretener a niños y niñas. Quisimos poner el acento, más que en los hechos de sangre, en las relaciones con los hijos. El trato familiar, los sentimientos de padres y madres, de hijas y hijos, son asunto frecuente del teatro. Andrónico muestra los hijos muertos como patrimonio del padre, como instrumento de su éxito social. Sacrifica triunfante un hijo de Tamora. El dolor materno lleva la Tamora al crimen, a la venganza, sin saber que ese dolor le será servido en bandeja de plata. Finalmente, renace la esperanza. Aarón, un asesino sin escrúpulos, siente la ternura de la paternidad y salva a su bebé. Una historia tremenda, sangrienta e inverosímil, que habla de lo que nos preocupa a todos y todas desde que nacemos.